[문화산책] 김천국제가족연극제

해마다 여름이면 김천에 가족 연극제가 열린다. 가족끼리 함께 즐기는 국내 유일의 아동극 축제로 2002년 시작해 올해로 17회째를 맞는다. 첫 출발은 아마추어 연극인들의 경연대회 방식으로 고등부, 대학부, 일반부로 나눠 시상해오다 2009년 제7회 대회 때부터 아동극 전문가들이 참여하는 축제로 탈바꿈해 2013년까지 내리 5년간 유료관객 점유율 100%를 웃돌아 아동극 붐을 일으킬 정도로 주목받은 축제다. 지금은 기존의 아동극 경연대회를 고수하는 대신 가족들이 함께 즐길 수 있는 축제의 마당을 넓히는 데 주력하고 있다. 경연작과 초청작을 실내 공연과 야외 공연으로 차등화하는 이른바 안과 밖, 낮과 밤의 투 트랙방식으로 진행, 지난해 한국문화예술위원회 공연예술축제 평가에서 A등급을 받는 성과와 함께 흥행도 성공적이라는 평가를 받았다. 올해는 중국, 그리스, 스페인 등 해외작품도 경연에 참여할 수 있게 참가범위를 넓혔다. 국내외 공모를 통해 113개 국내 작품과 13개 해외 작품 가운데 1·2차 심사를 거쳐 국내 11개 작품, 해외 3개 작품 총 14개 작품이 선정되어 경연을 벌인다. 오는 7월19일부터 28일까지 김천문화회관(구 김천문화원)과 혁신도시내 안산공원 임시 가설무대인 천막극장에서 열띤 경연을 벌이게 된다. 약 198㎡(60평) 규모의 천막극장은 국내에도 잘 알려진 재일교포 연출가 김수진이 이끄는 일본 극단 신주쿠 양산박만이 기술력을 보유하고 있는 극장으로 국내 야외축제 무대에 설치되기는 이번이 처음이다. 여러 국제대회에서 입상한 러시아, 일본, 중국, 우즈베키스탄, 헝가리 아티스트들의 야외공연은 매일 밤 안산공원 특별무대에서 펼쳐진다. 특히 깃털 하나로 중심을 잡는 아슬아슬하고 숨 막히는 중국 기예단의 12가지 기예공연을 개막작으로 선보인다. 또한 국내 최고의 스타 마술사인 최현우 매직쇼가 폐막작으로 김천문화예술회관 대공연장에서 공연된다. 이밖에 시민참여형 이벤트와 북카페 등 다양한 부대행사가 손님맞이 준비에 한창이다. 17회째를 맞는 김천국제가족연극제 슬로건은 ‘꿈, 사랑, 평화’이다. 아이들에게는 꿈을 심어주고, 가정에는 사랑을, 세상에는 평화의 메시지를 전한다는 취지이다. 시 승격 70주년을 맞는 인구 14만의 작은 도시에서 열리는 이 연극제가 소박하지만, 거창한 세계화의 흐름 속에 이 슬로건처럼 문화강국 대한민국의 문화적 위상을 높이는 진취적인 연극제로 성장하기 위해서는 무엇보다 밀알의 관심이 필요하다. 그 밀알의 나비효과가 김천국제가족연극제의 화려한 공연의 맛과 어우러진 오감의 흥으로 이어져 김천을 들썩일테니 말이다. 노하룡(극단 삼산이수 대표)

2019.06.12

[문화산책] 희망의 틈을 넓히자

청년정책 중 대표적인 것은 무엇일까. 청년내일채움공제, 청년취업성공패키지 등 많은 청년정책이 있지만 그중에서도 청년들에게 가장 인지도가 높은 정책은 청년수당이 아닐까 한다. 청년수당은 서울시 청년들로 구성된 청년정책네트워크의 청년정책제안 프로그램에서 제안된 정책이었다. 몇 년전 어느 청년정책 토론회에 참여한 적이 있다. 이날은 다양한 정책전문가와 청년들이 함께 청년정책의 방향을 설정하고 큰 틀에서의 논의를 하는 자리였다. 전문가들의 발제가 끝나자, 청중으로 구성된 청년들이 질의 및 발언을 하기 시작했는데, 청년들의 발언은 호소와 울분에 가까웠다. 그들이 느끼는 답답함, 어른들이나 기성세대에 느끼는 실망과 분노, 정제되지 않은 언어와 감정들이 뒤섞여 쏟아져 나왔다. 청년정책에 대해 청년들과 기성세대가 느끼는 온도차를 확실히 실감할 수 있는 계기가 되었다. 청년정책네트워크는 청년들이 직접 정책제안에 참여하는 프로그램으로 청년센터에서 진행하는 프로그램 중 가장 어려운 것 중 하나다. 사회적인 활동에 대한 관심이 있고 활동력이 있는 청년들이 주로 참여하는데 먼저 정책에 대해 기초적인 학습을 제공하게 된다. 전문가 자문, 자료조사, 설문조사, 타 지역 사례 조사, 기존자료 공유, 현 정책공유 등을 통해 정책수립에 필요한 과정을 지원하여, 정책에 대해 고민이 깊어지고 무르익어가게 된다. 최종적으로 새로운 정책 또는 대안적인 정책들이 수립되면 대구시 담당부서로 전달되고, 부서별 검토를 마친 후 피드백 문서를 받아보게 된다. 청년들은 제각기 배움의 깊이가 다르고, 경험이 풍부하지 않다. 경험과 학식이 풍부한 기성세대에 비해 사회를 보는 시각이나 안목이 부족할지도 모른다. 짧은 기간 활동하며 정책제안 보고서를 제출해야 하는 과정이기에 정책제안에 미숙하게 보일지도 모른다. 하지만 과정 그 안에서 청년들은 누구보다 진지하고 열정적이다. 참가했던 청년들은 말한다. 정책제안보고서를 제출하고 그에 대한 답변을 받는 과정은 그것 자체로 의미를 가진다고. 이러한 활동을 대구시가 지원하는 것으로 희망을 가질 수 있게 된다고. 변화에 대한 희망은 정책제안자들이 활동을 하는 큰 원동력이 된다. 그렇게 청년정책네트워크는 대구시 청년들의 삶에 희망의 메시지를 전달하는 역할을 하고 있다. 2019년 청년정책제안자들은 지난 두어달 동안 생활정책학교에서 교육을 수료한 후 정책제안자로 위촉받아 활동을 시작했다. 오늘도 청년을 위한 정책을 위해 고군분투하고 있을 청년정책네트워크의 정책제안자들을 응원한다.이소영

2019.06.11

[문화산책] 스테어스 아트페어

작년 연말부터 준비해온 행사가 있다. ‘스테어스 아트페어 2019’라는 제목으로 청년 예술인들이 모여 만드는 대안적 형태의 아트페어다. 참여 작가 및 기획자들 모두 20대 후반에서 40대 초반까지의 청년들로 구성되어 있다. 일정 기간 사용 후 유휴공간으로 비는 아파트 모델하우스에서 이뤄지는 이번 행사는 지역의 청년 예술인으로서 무척 유의미하다고 생각된다. 먼저 기업들의 후원으로 이뤄지는 행사라는 점과 영·호남 지역의 청년작가 간의 교류, 그리고 ‘아트페어’라는 형태를 통해 예술과 대중 간의 벽을 낮추고자 하는 시도들이 그것이다. 일반적으로 ‘아트페어’는 갤러리들이 모여 예술 작품을 판매하는 행사로 이해하면 쉽다. ‘스테어스 아트페어 2019’는 갤러리에 소속되지 않은 작가들이 예술 작품을 판매하는 행사다. 지난 글 ‘청년작가로 예술하기’에서도 밝혔듯이, 작가들이 작품을 판매한 수익으로 생활을 한다는 것은 결코 쉬운 일이 아니다. 지켜본 바로 작품 판매에 있어서는 작품성뿐만 아니라 다양한 요소들이 충족되어야 판매로 이어진다. 이 같은 여러 제반 요소들을 청년작가이 모두 충족하기란 물리적으로 어려운 점들이 많다. 때문에 갤러리와 청년작가 간의 연결은 쉽게 볼 수 있는 장면은 아니다. 이러한 여건 속에서도 꾸준히 활동하는 청년작가들과 함께 대안적 아트페어를 만들고자 한 것은 미술 시장을 주도하는 갤러리에 청년작가들의 가능성을 보여주고 소개하여 유기적인 예술 시장 형성에 작은 보탬이 되고 싶은 마음에서였다. 그리고 같은 생각을 가지고 있는 젊은 기획자들과 함께 일을 추진하였고, 최종적으로 64명의 작가들이 참여하게 되었다. 행사에 참여하는 64명의 작가들은 대구뿐만 아니라 광주, 경남, 경북 등 다양한 지역에서 활동하는 작가로 구성되어 있다. 이 같은 지역 간의 교류를 통해 작가들은 보다 성숙한 예술 세계를 구축하는 한편, 대중에게는 다양하고 풍부한 예술 작품을 향유하고 소장할 수 있는 기회로 이어진다. 작가들이 작품을 판매하는 것이 어려운 것처럼 대중이 작품을 구입하는 것도 익숙한 일은 아니다. 예술 작품의 가격이 굉장히 고가로 형성되어 있을 것이라는 선입견과 예술은 어렵고 이해하기 힘든 것이라는 인식이 작품 구입을 망설이게 한다. 그러나 ‘스테어스 아트페어 2019’에서는 대중과의 소통을 위해 작품을 비교적 낮은 가격대로 조정했다. 또한 작가들이 상시 거주하며 대중에게 직접 자신의 작품에 대해 설명한다. 이러한 프로그램은 대중들이 예술에 대해 쉽게 다가가고 이해할 수 있는 요소가 된다. 이 행사는 오는 12일부터 16일까지 총 5일간 삼성창조캠퍼스 부근에 있는 한 모델하우스에서 진행된다. 짧은 기간이지만, 많은 사람들이 영·호남에서 활발하게 활동하는 지역의 청년작가들과 함께 이야기하며 예술에 더 가까워지는 시간이 될 수 있길 바란다. 박천

2019.06.10

[문화산책] 페어플레이

나는 요즘 슈퍼밴드를 보는 재미에 푹 빠져 있다. 아티스트로서 그들이 풀어나가는 협업은 무용공연을 창작하는 작업과정과 닮아 있어 재미가 한층 더 했다. 주어진 상황에서 최선의 결과물을 만들기 위해 필요하다면 스스로를 낮추는 모습을 볼 수 있다. 또 팀원들과 자신이 지향하는 음악적 성향이 다소 다르더라도 작업하는 음악적 방향에 무엇이 더 강조되어야 하는지 큰 그림을 먼저 보는 모습도 볼 수 있다. 그런 모습들은 내가 그들을 아티스트로서 충분히 존중할 수 있도록 해주었다. 팀원 전체가 함께 충족 가능한 음악의 표현 방법을 찾기 위해 의견 충돌이 있더라도 감정적이지 않으며, 끝까지 음악적 대화를 시도해 표현하고자 하는 바를 찾는 모습, 각자의 아이디어를 찾기 위해 다양한 방법으로 음악에 접근하는 시도와 모습 역시 참 좋았다. 그뿐 아니라 자신들이 공들여 준비한 창작물로 주어진 경연에 참가하는 자세에 대해서도 박수를 보내고 싶다. 각 팀들이 준비해 온 음악작업을 감상한 후 자신의 팀보다 상대팀이 잘한다고 느껴지면 망설임 없이 상대방을 인정하는 자세는 그들이 최대한 자신들의 작업을 객관적으로 바라보고 있다는 증거일 것이다. 승패에 상관없이 함께 경연한 상대에게 수고했다는 진심 어린 격려도 한다. 이후 패한 팀에 소속된 자신을 뒤돌아보며 반성해야 할 부분을 찾는 모습도 보여준다. 패한 팀원끼리 자신들의 작업에 대해 분석하여 최선이라고 생각한다면 승패와 상관없이 쿨하게 자신들도 잘했다며 서로를 격려한다. 경연 이후 그들의 다짐에는 한 계단 성장한 아티스트의 열정이 담겨 있다. 그들은 나의 눈에 진정한 페어플레이를 보여주고 있었다. 원래 이것이 상식 아니었던가. 무용인들의 세상. 어쩌면 타자의 눈으로 보면 그들만의 세상처럼 비쳐 지는 무용인들의 작업이다. 상대를 인정하기 싫은 것은 아닌지, 나의 노력이 부족하지는 않았는지, 객관적인 시선으로 자신을 바라보고 있는지, 어쩌다 주어지는 기회에 양심과 권력 사이에서 망설임 없이 작은 노력으로 빨리 인정받고자 했던 것은 아닌지, 다양한 방법으로 스스로를 포장하고 있었던 것은 아닌지 돌아봤으면 한다. 물론 모든 무용가가 그렇다는 것은 아니다. 하지만 정정당당하지 못한 무용가들로 인해 무용 생태계가 혼란스러운 것도 있다. 이것이 현실이다. 적어도 내가 아티스트로 존중받고 싶다면 자신의 양심을 담보로 스스로를 객관적으로 바라볼 수 있어야 하며 아티스트로 더 깊게 성장하기 위한 노력을 아끼지 않아야 한다. 슈퍼밴드에서 보았던 그들의 페어플레이가 무용인에게도 절실히 필요하다. 페어플레이하는 모습은 상대방이 나를 더 존중하게 하는 힘이 있다. 깨끗한 매너로 상대와 소통하는 자세. 예술가의 품격이 아닐까.안지혜

2019.06.07

[문화산책] 대한민국 연극제를 보며

지금 서울에는 제37회 대한민국 연극제가 열리고 있다. 전국 16개 시·도 대표 극단이 대통령상을 놓고 자웅을 겨루는 국내 최대의 연극잔치다. 지방 순회 방식으로 37년간 이어져온 대한민국 연극제가 서울에서 열리는 건 이번이 처음이다. 1977년 전국지방연극제로 출범해 전국연극제, 대한민국 연극제까지 그 명칭을 달리 해온 배경에는 지방과 서울 간의 배타적 갈등 구조가 깔려 있다. 서울 연극에 찬밥신세를 당한 지방 연극인들이 뜻을 모아 만든 것이 전국지방연극제이기 때문이다. 제1회 전국지방연극제는 부산에서 열렸다. 지방 정부 간의 유치전과 참가 극단 간의 경쟁이 갈수록 치열하다 보니 오해와 반목 일어날 때도 있었고, 심사위원 선정과 심사의 공정성 논란이 일기도 했다. 그럼에도 연극제의 열기는 도리어 뜨겁게 불타올랐다. 대통령상이 내걸린 유일한 대회인데다 지방 연극의 성장에 촉매제 같은 역할을 했기 때문이다. 유치 지역마다 시립극단이 생겨나거나 열악한 지방 연극의 숨통을 틔워주는 사례들이 늘어났다. 실보다 득이 많다보니 지방연극의 성장속도를 앞당긴 것은 부인할 수 없다. 사실 대한민국연극제라는 명칭을 최초로 사용한 것은 서울 연극이다. 하지만 몇 해를 이어가지 못하고 지리멸렬해졌고, 공연예술축제로 성장하는 듯 보였던 서울연극제도 원래의 자리로 되돌아오는 과정에서 왜소해졌다. 서울연극협회 차원에서 대한민국 연극제 참가의사를 밝힌 건 7년 전쯤이다. 지방 연극인으로서 최초로 한국연극협회 이사장에 선출된 윤봉구 당선자의 ‘대한민국 연극제’ 공약이 계기가 됐다. 이후 본격적인 공론의 과정을 거치지만 당시 윤 이사장의 ‘대한민국 연극제’ 구상은 한류연극제를 겨냥한 국제적인 대회로 격상시키려는 의도였다. 하지만 당초 의도와는 달리 예산확보가 여의치 않자 기존의 전국연극제에다 서울의 참가만 추가된 채 명칭만 바뀌었다. 지금의 ‘대한민국 연극제’는 2016년 청주에서 열린 1회 대회를 시작으로 공식화됐다. 서울의 참가도 이때부터다. 대구, 대전을 거쳐 서울 대회에 이르기까지 4년이 훌쩍 지났다. 10년 가까이 한국연극협회 이사로 있으면서 지방과 서울 간의 대립과 반목을 경험한 필자에게 있어 이번 연극제에 거는 기대는 자못 크다. 그간 ‘대한민국 연극제’를 둘러싼 지방과 서울 간의 케케묵은 감정의 청산이 그 하나요, 내년 ‘연극의 해’ 지정을 앞두고 과거에 얽매이기보다 미래 담론을 담아내는 한국 연극의 이정표로서의 역할이 그 하나다. ‘연극은 오늘, 오늘은 연극이다’라는 대회 슬로건처럼 이 연극제를 통해 오늘의 한국 연극을 반성하고, 내일의 한국연극의 청사진을 펼쳐 보이는 성공적인 축제로 각인되길 희망한다.

2019.06.05

[문화산책] 청년학교딴길

지난 5월31일 ‘대구청년학교_딴길’ 입학식이 열렸다. 올해로 4회째를 맞이하는 대구청년학교는 인생학교를 모티브로 시작했다. 인생학교는 2008년 영국에서 세계적인 베스트셀러 작가 알랭드 보통의 기획으로 시작됐다. 살아가면서 부딪히는 여러 가지 문제들, 인생의 중요한 순간마다 마주하는 문제들을 어떻게 바라보고 대응해야 할지, ‘지금까지 배워온 것이 지식이라면 이제는 지혜를 배워야 할때’라는 문제의식으로 시작했다. ‘배움을 다시 삶의 한가운데로’라는 캐치프레이즈로 시작해 세계적으로 배움의 열풍을 불러일으켰고 이 흐름은 여기 대구청년센터까지 전해졌다 2016년부터 청년센터에서는 매년 청년학교_딴길을 열고 있다. 알랭드 보통은 인생학교를 6가지 주제로 기획했는데 주제는 시간, 섹스, 세상, 돈, 일, 정신이었다. 대구청년센터는 청년들이 필요로 하는 것, 학교나 학원에서 배울 수 없는 것에 초점을 두었다. 자신의 진로나 방향을 고민하고 방황하는 청년들에게 경험과 배움의 기회를 제공하기 위한 학교로, 다양한 실험과 실습 프로그램이 만들어졌다. 이를 통해 청년에게 다른 길, 새로운 길을 경험할 수 있다는 의미를 담은 ‘딴길’이라는 이름이 굳게 되었다. 대구청년학교의 특징은 청년이 직접 기획하고 운영할 수 있는 기회를 제공하는 것이다. 청년단체 또는 청년개인, 청년모임이든 대구지역청년이라면 누구나 8주 과정인 학과를 개설해 운영할 수 있다. 역량은 부족하나 기획력이 있다면 강사를 초빙하는 방식으로 운영하고, 역량을 갖추었다면 기획과 강의, 운영 모두를 할 수 있다. 지역의 청년단체나 활동가들에게는 활동을 펼쳐낼 수 있는 기회가 생기고, 이를 통해 지역의 청년들에게는 다양한 배움의 장이 마련된다. 매년 초 학과개설자를 공개모집하고 있으며 학과개설의 목적, 내용, 기획자의 역량 등을 꼼꼼히 평가하여 학과개설자를 선정한다. 또 청년학교는 학과별 학생수를 15명으로 제한해 운영한다. 단순히 주입식 교육이나 일방적인 청강 방식이 아닌, 강사 운영진과 호흡하고 소통하며 밀도 있는 경험과 배움을 얻기 위함이다. 이러한 방식을 통해 청년들은 학과의 학생, 담임, 강사진과의 다양한 관계형성을 하게 되고 이를 통해 더욱 큰 배움의 기회를 얻기도 한다. 올해는 2개과정으로 나눠 운영된다. 딴길1은 농장탐방을 통해 먹거리와 농업을 배우는 농장당일치기, 창업가들을 통해 배우는 소셜캠퍼스, 리더십개발을 통해 성장하는 포텐터지다, 나를 제대로 표현하는 말하는 대로, 내 이야기를 담은 로그북을 제작하는 독립출판 등이다. 딴길2는 이제 곧 시작된다. 청년학교 딴길을 통해 첫걸음을 떼어보길 바란다.

2019.06.04

[문화산책] 청년작가로 예술하기

어릴 적 미술이라는 분야로 진로를 선택하면서 어른들에게 많이 듣던 말이 있었다. “예술가는 배고픈 직업” “예술로 돈 벌기 힘들다”라는 등의 말이었다. 하지만 이러한 만류를 뿌리치고 미술대학에 진학했고, 아직도 예술계에서 버티고 있다. 근데 어른들 말씀은 틀리는 법이 없다. 예술이라는 분야는 시작부터 그랬다. 투자 대비 성과가 최악인 분야다. 현재 활동하고 있는 청년작가 20여 명을 인터뷰했는데, 재밌게도 모두 같은 대답을 들었다. 해외에서 공부하고 들어오지 않는 이상 우리나라에서는 거의 대부분이 같은 대답을 할 것이라고 생각된다. 내용은 이렇다. 미술대학에 진학하기 위해 많은 학원비를 투자하며, 공부와 실기 두 가지를 한꺼번에 해야 했고, 대학에 진학하더라도 상대적으로 비싼 등록금을 내가며 학업을 해야 했다. 또한 졸업 후 예술계에 발을 들였을 때, 금전적인 부분이 자신의 작품으로는 해결되지 않는다는 것이다. 남들이 공부만 할 때 공부와 실기를 병행해야 했고, 남들이 돈을 벌 때 돈을 벌면서 작품활동도 따로 해야 하는 상황인 것이다. 학교, 미술학원, 화실, 예술강사, 과외, 벽화, 회사, 쇼핑몰, 카페, 각종 아르바이트 등 다양한 분야와 방법을 통해 청년작가들은 생활자금 및 작품 제작 비용을 충당하고 있었다. 실제로 전공을 살려 일하고 있는 청년작가의 수는 그리 많지 않다. 또한 대부분의 청년작가들은 노동시간에 작품 제작할 시간을 많이 뺏겨 작업에 난항을 겪고 있다. 작품 판매가 원활히 이뤄진다면 노동시간을 줄이고 작품 제작 시간을 늘리겠지만, 간혹 팔리는 작품으로는 생계를 유지할 수 없기 때문이다. 그럼에도 불구하고 이들이 예술을 계속하는 이유는 무엇일까. 작가들마다 각자의 이유로 예술을 하고 있었다. 조금 특이한 점은 단순히 ‘재미’라는 요소로 예술을 이어나가는 작가는 없다는 것이다. 처음 예술을 시작할 때 대부분은 적성이나 재미로 시작했으나 지금은 바뀌었다. 물론 작업을 하면서 느끼는 카타르시스가 없지는 않지만, 단순히 그것을 위해 작품 제작을 하는 것이 아니라 스스로 예술에 대해 가지는 일종의 사명감 같은 것이 있었다. 이런 이유와 태도가 그들의 작업이 예술이 되게 하는 요소일 것이다. 최근 청년작가들이 지원받을 수 있는 프로그램들이 많아지고 체계화되어 작가들의 작품 활동에 숨통을 트이게 해주고 있다. 또한 전문 컬렉터가 아닌 일반인도 마음에 드는 작품을 종종 구매를 하고 있다. 이러한 분위기 속에 재미있는 기획을 통해 프로그램들을 구성한다면 작가들의 예술 활동에 활력을 불어넣는 동시에 대중에게도 문화예술을 향유할 수 있는 기회를 제공할 수 있을 것이다.박천

2019.06.03

[문화산책] 흔적

무용을 예술작품으로 창작하는 일은 굉장히 어렵지만 춤작가에게 창작하는 작업만큼 재미있고 흥미로운 일은 없다. 무용작품을 만드는 일. 즉 창작의 고통이란 게 어떤 것일까. 고통이 있었기에 예술로 인정받을 수 있는 것일지도 모른다. 내가 경험한 바에 의하면 춤작가들은 끊임없이 자기자신의 작업에 대한 확신을 찾아가는 과정을 반복한다. 작가 스스로 확신을 찾는 방법은 서로가 모두 제각기 다르지만 큰 틀에서 바라보면 별다르지 않고 추구하는 것의 본질은 같다. 춤작가가 작품주제에 맞는 표현 방식을 모색하는 것은 자기반성과 자기확신을 통해 작품의 완성도를 서서히 끌어 올리는 과정이다. 그 과정을 통해 끝끝내 자신의 작품에 대한 확신을 찾는다. 이것은 작가 스스로 오롯이 혼자 진심어린 고민과 사색으로 얻어낸 결과이다. 춤작가가 스스로 자기확신을 찾아 고민하는 지점에는 다양한 상황이 존재한다. 하지만 그것 역시 춤작가가 풀어내야 하는 숙제이기도 하다. 관객의 입장에서 자신의 작품을 바라보는 부분은 기본적인 배경이며, 무대구성을 비롯한 작가 자신에게 주어진 상황에 대한 시각적 감각을 높이기 위한 유연한 사고와 순발력도 필요로 한다. 이 모든 것은 작가 자신의 예술적 성취감을 위한 노력인 것이다. 세심한 노력은 작품의 틀을 견고하게 만들고 주제를 표현하는 자신만의 예술적 색채가 뚜렷하게 나타나게 한다. 자신의 예술적 색채가 뚜렷하고 선명할수록 무용수와의 소통하는 방법도 선명하고 명쾌하다. 이런 과정을 거친 작품은 질감부터 확연하게 다르다. 무용을 잘 모른다고 이야기하는 사람들도 반응한다. ‘자신이 느낀 것이 맞는지 모르겠지만’으로 시작하면서 작품을 보며 느낀 점을 이야기한다. 이런 현상은 그들도 작품을 감상하면서 작가가 고민한 흔적을 느꼈기 때문이라 여기며 나는 이런 지점이 춤작가가 작품으로 관객을 몰입하게 만든 부분이라고 생각한다. 춤작가의 모든 작업은 자신이 걸어온 길이며 동시에 그 사람의 흔적을 남기는 일이다. 먼 훗날 그 흔적들은 어느 누군가에게 예술적 영감을 불러 일으킬 수도 동경의 대상이 될지도 모른다. 그렇게 무용역사의 일부분에 춤작가들은 흔적을 남긴다. 아는 만큼 보인다는 말이 있다. 그말은 알고 있는 부분이 꼭 지식 하나만을 지칭하는 것은 아니다. 경험 속에서 얻는 삶의 지혜를 비롯해 자신의 삶 속에 축적되어온 감각의 정도로 예술을 바라보고 음미하는 부분까지 포함되어 있다고 생각한다. 관객의 예술적 이상형은 제각기 다르지만 분명 같은 생각으로 교감하는 지점은 작품에 꼭 있다. 아니 꼭 있어야 한다. 그것은 작가가 온 힘을 다해 고민한 흔적을 말하는 것임으로. 안지혜 (대구시립무용단 상임단원)

2019.05.31

[문화산책] 함께하면 좋은 사람

세 사람이 힘을 합쳐 고마움을 표현한 재미있는 음악 작품이 있다. 일명 ‘F.A.E. 소나타’라는 독특한 제목의 이 작품은 작곡가 슈만의 아이디어로 탄생되었다. 이 곡은 슈만과 슈만의 제자 디트리히, 그리고 브람스가 한 악장씩 만들어 1853년 완성한 바이올린 소나타다. 당시 최고의 바이올리니스트였던 요제프 요아힘을 위해 이 작품을 만들게 되었다. 여러 작곡가가 한 곡을 작곡하는 일은 드문 일이다. 총 네 악장으로 이루어진 이 곡의 1악장은 화려한 스케일을 자랑하는 디트리히가, 2악장과 4악장은 서사적이고 문학적인 작품을 만들어온 슈만이, 3악장은 엄격한 형식주의를 추구해온 브람스가 만들었다. 그중 브람스가 만든 3악장 ‘스케르초’는 특히 유명해서 지금까지도 많은 연주자들에 의해 연주되고 있다. 이 곡의 제목인 ‘F.A.E.’는 무슨 뜻일까. 독일어 ‘Frei Aber Einsam’의 앞 글자만 딴 것인데, ‘자유롭게 그러나 고독하게’라는 뜻이다. 이 말은 요아힘이 즐겨 쓰던 격언이자 그의 모토이기에, 세명의 작곡가는 이 격언의 초성이자 음을 가진 ‘F(파)-A(라)-E(미)’를 각 악장의 첫머리마다 배치하는 재치를 보이기도 했다. 이 곡은 요아힘과 클라라 슈만에 의해 초연이 되었다. 악보에는 ‘친애하는 바이올리니스트 요아힘에게… 제목: F.A.E 소나타, 작곡가: 슈만·브람스·디트리히’라고 적어 놓았다. 작곡가들은 요아힘에게 각 악장을 누가 작곡했는지 알아맞히게 했는데, 그는 연주를 마친 후 각 악장의 작곡가를 모두 알아맞히었다고 한다. 친애하는 연주자를 위한, 세 명의 멋진 작곡가들의 우정과 사랑, 재치가 담긴 곡이라는 점에서 음악가들의 순수하고 따뜻한 마음을 느낄 수 있을 것이다. 연주자로서 마음과 뜻을 함께할 수 있는 동료 음악인이 있다는 것은 큰 힘이 되고 감사한 일이 아닐 수 없다. 음악을 대하는 마음과 생각을 공감하고 소통하며 좋은 음악을 선보일 때 그 행복과 감동은 음악생활을 이어나갈 수 있는 큰 원동력이 되는 것 같다. 가끔 음악회에 연주자로 초청받았을 때 함께하는 출연진 중에 평소에 좋아하고 만나고 싶었던 연주자가 있으면 참 반갑고 기쁘지 않을 수가 없다. 이처럼 음악은 좋은 사람들과 함께할 때 그 기쁨과 감동이 배가 되는 것을 경험하게 된다. 슈만의 기발한 아이디어로 친구 연주자 요아힘에게 곡을 헌정한 세 친구의 우정이 후대에 널리 알려져 훈훈함을 더해주듯, 우리 주변의 따뜻한 마음과 순수한 열정을 가진, 함께하면 좋은사람들의 아름다운 음악이 더욱더 많이 울려퍼지길 바란다. 정혜진

2019.05.30

[문화산책] 도시재생과 예술

바야흐로 문화의 시대가 도래했다. 고집스레 지켜온 뚝심 있는 문화가 있는 반면 문명의 발달에 따라 수없이 변신해온 카멜레온 같은 문화도 오늘을 살아간다. 과거에도 있었고, 현재에도 있고, 미래에도 있을 문화의 카테고리는 인간의 삶 그 자체로 응집된다. 이처럼 인간 삶의 길잡이 노릇을 해온 예술은 시대의 방랑자처럼 시공간의 무대를 제멋대로 노닐며 생명을 이어간다. 요즘 도시재생이 유행처럼 번지고 있다. 그것도 문화적 옷을 입히려는 도시재생이 인기를 끈다. 도시재생에 두 팔 걷어붙인 곳마다 잘나가던 한 때의 화려한 추억을 간직한 곳이다. 시대의 흐름에 떠밀려 재생의 수혈을 받을 만큼 노쇠해진 몸에다 문화적 수식어를 붙여 부활을 도모하려 한다. 자칫 문화적 도시재생을 개발과 산업 언저리에 문화를 살짝 끼워 넣는 것으로 착각하면 오산이다. 문화의 주체인 예술이 빠지고 상인과 개발업자가 키(key)를 거머쥔 도시재생은 앙꼬 없는 찐빵일 수 있기 때문이다. 연극은 문화처럼 사람들이 살아온 이야기이고, 살아갈 이야기를 담고 있다. 역사와 전통을 토대로 자란 문화적 공간에다 희소적이고 차별화되는 이야기를 담아내는 것은 다분히 연극적이다. 뻔한 내용의 공연에는 관객이 몰리지 않는다. 무대공간을 도시재생 공간으로 확장하고, 아련한 추억을 소재로 삼아 이야기를 만들어낸다면 하나의 연극 작품과 다를 이유가 없지 않는가! 폐철로가 공중정원이 된 뉴욕의 하이라인이나 소의 도축장이 문화공간으로 변신한 상하이의 1933 라오창팡처럼 도시재생에 성공한 여러 나라의 선진 사례를 보면 발상전환의 키는 언제나 예술가들이 쥐고 좌지우지했다. 시공간을 응용해 자기만의 색채를 만들어내는 탁월한 재능을 가진 사람이 바로 그들이었기 때문이다. 내가 사는 김천은 올해로 시승격 70주년을 맞는다. 같은 해 시로 승격된 수원, 전주, 포항 등에 비하면 유일하게 쪼그라든 도시이다. 경북 내륙의 교통중심도시답게 상권이 융성했던 도시였지만 지금은 인구 14만의 소도시로 전락된 지 오래다. 도시재생의 바람을 타고 최근 들어서야 리플레이(REPLAY) 버튼을 누르려고 절치부심 중에 있다. 혹시나 해서 하는 말이지만 개발이익에 눈독 들이거나 예술인을 더부살이 역으로 전락시킨 도시재생은 결코 성공할 수 없다. 이야기의 옷을 입히려면 먼저 이야기를 만들어내는 것이 순리이다. 그 이야기의 착상은 빠른 현대의 시계바늘보다 더 빠르거나 아니면 아주 느린 시계추를 생산해야 차별성과 경쟁력을 담보한다. 기왕에 시작하려면 가랑비에 옷 젖듯 하지 말고 과감하게 들이대라 요구하고 싶다. 문화 시대의 심장은 도전과 모험정신일 테니 말이다. 노하룡 (극단 삼산이수 대표)

2019.05.29

[문화산책] 상상하고 꿈꾸자

대구에도 청년축제가 있다. 청년들이 기획하고 만들고 참여하는 축제인 ‘대구청년주간’이 바로 그것이다. 2015년 시작된 이래로 2016년부터 청년센터에서 주관하고 있다. 2016년 첫 기획단 회의를 하던 때가 생각난다. 당시 20여명으로 꾸려졌던 청년기획단 위원들이 참여하는 첫번째 회의였는데 축제의 주제, 슬로건을 먼저 정하기 위해 한 사람씩 돌아가며 발언을 하고 있었다. 모두 자신의 이야기를 쏟아내듯이 저마다의 이야기들을 하고 있는데도 유독 한가지만은 똑같이 말하고 있는 단어가 있었다. 그것은 ‘청년들의 목소리’였다. 청년들의 목소리, 그것은 행사의 목적과도 상통한다. 청년주간은 이 시대를 살아가는 청년들의 이야기를 듣고 소통하고, 전 세대가 공감대를 형성할 수 있는 기반을 만들어나가자는 취지가 담겨 있다. 다양한 청년들의 목소리를 담아내고 표현할 수 있도록 펼쳐지는 축제, 그렇게 첫번째로 채택된 슬로건은 청년들의 목소리 ‘701,355DB’었다. 701,355는 2016년 당시 대구지역 청년인구수였다. 새로운 실험과 시도도 있었다. 2016년엔 청년이 살고 싶은 대구를 ‘상상’하고 그려보자는 취지의 소셜픽션콘퍼런스가 있었고, 2017년엔 상상하고 꿈꾸는 나라를 만들어보자는 취지의 청년공화국이 있었다. 2018년에는 행사의 전체 콘셉트를 ‘0’이라고 하여 청년팀들이 준비한 다양한 제안과 실험, 디자인한 것을 축제기간 펼쳐보이도록 했다. 3일간 축제장소는 청년들이 만드는 도시가 되고 축제 마지막날 도시는 사라진다. 입장권은 시민권으로 증정하고, 축제장에서만 쓸 수 있는 기본소득(3천원)도 지급하는 등 재미있는 장치와 다양한 실험들을 해오고 있다. 그렇게 청년들의 상상과 꿈을 응원하고 펼쳐낼 수 있는 장을 점점 키워나갔다. 청춘들이 막연히 느끼는 불안감을 잠시라도 내려놓고, 축제기간 3일 만이라도 자유롭게 상상하고 만들어나갈 수 있는 장을 만들고자 했다. 이러한 실험을 많은 청춘들은 재미있게 받아들이고 즐겁게 동참해 왔다. 대구청년주간은 청춘들에게 해방감을 주는 3일간의 독특한 청년주간행사로 자리잡아가고 있다. 올가을에도 행사는 진행된다. 지역을 대표할 만한 청년활동가가 총감독으로 총대를 잡았고, 다양한 청년활동가와 기획자들이 기획단으로 참여하여 회의를 진행하고 있다. 현재 2019년 청년주간축제를 함께 준비할 100인의 총장을 모집 중에 있다. 올해 콘셉트는 청년들이 원하는 새로운 대학을 만드는 것이다. 축제에 참여해 새로운 시대를, 새로운 대학을 만들어보시라. 상상하고 꿈꾸는 청년이라면 지금 신청하시라. 이소영

2019.05.28

[문화산책] 대안공간

현대미술을 피상적으로 바라봤을 때 새로움에 대한 강박처럼 보이기도 한다. 창조·창의·창작 등의 단어들로 점철된 기발한 발상이 이러한 이미지를 각인시켰는지도 모르겠다. 현대미술이 단지 새로움만을 좇아가는 것은 아니지만, 새로움에 대한 강박이 전혀 없는 말은 아니다. 새로움이 익숙해진다면 그것은 새로움이라 할 수 없기 때문이다. ‘대안공간’의 출발도 이와 같은 맥락에서부터였다. 1970년대 초반 미국에 잇따라 생겨난 대안공간은 당시 제도권에서 볼 수 없던 실험적이고 새로운 미술을 선보였다. 우리나라의 대안공간은 1990년대 후반 서울에서 생겨나기 시작했다. 당시 주류 미술계에 반발하여 ‘대안공간 루프’ ‘대안공간 풀’ ‘프로젝트 스페이스 사루비아다방’ 등이 새로운 패러다임을 제시했다. 이러한 영향으로 대구에서도 대안공간들이 등장했다. 2006년 ‘대안공간 싹’과 ‘쌈지 마켓 갤러리’를 필두로, 2008년 ‘작은 공간 이소’, 2009년 ‘아트스페이스 펄’ 등 많은 대안공간이 생겨나기 시작했다. 대구의 1세대 대안공간 중 현재까지도 운영되고 있는 곳은 ‘비영리전시공간 싹’과 ‘아트스페이스 펄’ 정도다. 2016년 ‘아트클럽 삼덕’, 2017년 ‘리알티(Realti)’라는 공간이 새롭게 생겨나기도 했다. ‘대안공간’을 규정지을 어떠한 형식이나 근거가 존재하지 않는다. 그래서 대구의 대안공간들은 각자의 색깔로써 대안적 역할을 하고 있다. ‘비영리전시공간 싹’은 신진작가 발굴 및 인큐베이팅과 젊은 기획자들에게 다양한 기회를 제공함으로써 청년예술가들의 활발한 교류의 장으로 자리하고 있다. ‘아트스페이스 펄’은 현장비평과 전시기획을 체계적으로 연구하여 이론과 현장의 담론을 형성해 나가고 있다. ‘아트클럽 삼덕’은 과거 독립운동가의 생가를 리노베이션하여 만든 공간으로 다양한 실험적 전시가 이뤄지고 있다. ‘리알티’는 전시, 공연, 학술세미나 등 다양한 예술적 행사가 이뤄지는 복합문화예술공간으로서 예술가들이 직접 만들어나가는 커뮤니티를 지향하고 있다. ‘대안공간’이란 단어는 이제 철 지난 단어가 되었다. 이미 제도적으로 대안공간을 지원해주는 프로그램이 많아졌다. 역설적이게도 제도가 하지 않아 시작했던 대안공간의 일을 제도가 주목할 때 대안공간의 역할은 사라지게 된다. 그러나 아직도 제도권의 조명이 비치지 않는 곳을 주목하는 대안공간은 여전히 중요한 위치에서 그 역할을 묵묵히 해내고 있다. 다만 이렇게 남아있는 대안공간 또한 여타의 이유들로 인해 사라져가는 현실이 못내 안타깝다. 대안공간에 필요한 ‘대안’은 많은 관심과 참여가 아닐까 싶다.박천

2019.05.27

[문화산책] 문예회관의 Plus Stage

대구문화예술회관이 찾아가는 공연을 시작한 지 10여년이 훌쩍 넘었다. 초창기 대구시립예술단에서 점차 영역을 확대해 지역 예술인들과 함께하는 무대로 발전해 우리 지역의 찾아가는 공연의 지평을 넓혔다고 생각한다. 지난해에는 180회 공연으로 5만 명의 대구시민을 만났다. 대구문화예술회관의 찾아가는 공연은 이제 대구문화예술회관의 대표 프로그램으로 자리매김했다. 대구문화예술회관의 찾아가는 공연은 올해부터 플러스 스테이지로 이름을 변경해 ‘문화예술회관에 더해진 또 하나의 무대라는 의미’로 문화예술회관 새로운 브랜드로 차별화를 시작했다. 그중 전문예술단체인 대구시립예술단은 각 단체의 특성에 맞게 플러스 스테이지의 슬로건을 정해 대구시립국악단은 ‘사랑방음악회’로 대구시립극단은 ‘나눔’으로, 대구시립무용단은 ‘시립무용단과 함께 춤을’으로 활동하고 있다. 내가 속해있는 대구시립무용단은 연초 대구시에 위치한 초등학교의 신청을 받아 학교를 방문해 무대를 구성하고 학생들에게 움직임이 만들어지는 과정을 체험하게 한다. 또 현대무용의 이해를 돕고, 무용공연의 감상과 해설로 현대무용의 예술적 경험을 제공하기도 한다. 예술적 감성은 기억에 정서가 입혀지는 과정의 반복이다. 이 점에 중점을 두고 학생들과 무용으로 정서를 나누고 예술적 감각을 성장시키고자 하는 점이 무용단 플러스 스테이지가 추구하는 궁극적인 목적이라고 생각한다. 올해의 플러스 스테이지 프로그램은 무용수의 순수한 몸 그 자체가 화두였던 DCDC를 초등학생의 눈높이에 맞춰 재구성했고, 특히 움직임 체험은 일상의 모든 움직임이 무용이 될 수 있음을 시사했으며, 무용의 접근방식을 명료화시켜 학생들이 쉽게 무용을 이해하도록 교육하는 부분에 중점을 두고 진행하고 있다. 초등학생에게는 다소 생소할 수 있는 예술장르가 현대무용이다. 그러나 초등학생들은 거리감이 없었고, 어색해하지 않았다. 언제나 호기심이 충만해 움직임을 체험하는 과정에서 보이는 아이들의 모습은 분명 어른들과 다른 순수함이 있었다. 현대무용은 어려운 예술이 아니라 가장 원초적인 인간의 몸으로 표현하는 순수한 예술장르라는 점을 어렴풋이나마 학생들이 기억했으면 좋겠다. 훗날 성인이 되었을 때 자신의 일상 속 즐거움의 일환으로 현대무용 공연을 관람하는 재미를 느끼길 바라며. 만약 그 공연이 대구시립무용단의 공연이라면 대구시립무용단의 플러스 스테이지는 성공한 셈이 아닐까 생각된다. 플러스 스테이지가 문화시민으로 성장하는 도우미 역할로, 일상에서 예술을 향유할 수 있는 작은 행복에 플러스 되고 싶다. 안지혜

2019.05.24

[문화산책] 도전! 도전! 도전!

탱고의 새로운 역사를 쓴 최고의 작곡가이자 반도네온 연주자인 아스토르 피아졸라. 그는 아르헨티나의 부에노스아이레스 주 출신으로 정통 클래식을 바탕에 두고 탱고를 접목시켜 새로운 개념의 탱고인 ‘누에보 탱고(Nuevo Tango)’를 창안한 작곡가이다. 이러한 피아졸라의 생애와 업적을 거슬러 올라가면, 그의 남다른 도전정신을 엿볼 수가 있다. 좌절의 쓴맛을 도약의 기회로 삼아 자신만의 고유한 음악 장르인 ‘누에보 탱고’로 승화시킨 피아졸라의 음악세계는 마치 정금(精金)을 만들어내는 과정 같다고 할까. 어릴 적 아버지에게 선물로 받은 반도네온으로 자연스럽게 탱고 음악을 접하였고, 우연한 기회에 그는 유명한 탱고 가수 카를로스 가르델과의 만남에서 남다른 실력의 반도네온 연주자라는 인정을 받게 된다. 하지만 그는 점점 탱고음악에 흥미를 잃어가게 된다. 그가 스무살이 되던 해, 세계적인 피아니스트 루빈스타인이 부에노스아이레스를 방문한다. 작곡에 심취해 있던 피아졸라는 용기를 내어 루빈스타인을 찾아가 자신이 작곡한 피아노 악보를 보여준다. 악보를 받은 루빈스타인은 친절히 연주를 해본 후, 피아졸라가 작곡 공부를 할 수 있도록 아르헨티나의 최고 작곡가 히나스테라를 소개해준다. 피아졸라는 히나스테라와 음악이론을 체계적으로 공부하였고, 작곡 콩쿠르에서 1등을 차지하여 프랑스 유학의 기회를 얻게 되었다. 세계 최고의 음악 교육자인 나디아 블랑제에게서 사사하지만, 피아졸라의 작품에는 자신의 색깔이 없다는 혹평을 받게 되었다. 좌절감으로 혼란의 시간을 보내고 있던 어느 날 블랑제는 피아졸라의 반도네온 연주를 보게 되었다. 그리고 마침내 “이것이야말로 피아졸라야. 절대로 그만두어서는 안돼”라며 조언을 해주었다. 그 말을 가슴에 새겨들은 피아졸라는 험준한 산을 굽이굽이 돌 듯 다시 고국 아르헨티나로 돌아오게 된다. 피아졸라는 다시금 불타오르는 탱고에 대한 열망과 탄탄한 클래식 공부를 바탕으로 탱고음악이 단지 노래나 춤의 반주가 아닌 음악의 한 장르로 인정받게 하였다. 전 세계 많은 사람들에게 감동을 주는 예술분야로 승화시킨 것이다. 오랜 세월 동안 수없이 많은 시행착오와 선택의 기로에 선 피아졸라에게 결코 포기는 없었다. 자신의 꿈을 향해 달려가는 걸음을 멈출 수가 없었던 것이다. 성년의 날을 보내며 비록 스무살의 나이는 지났지만, 마음만은 그때로 돌아가 내 안의 열정을 끌어내어 내가 잘 할 수 있는 일을 위한 도전을 멈추지 말아야겠다는 각오를 해본다.정혜진

2019.05.23

[문화산책] ‘연극의 해’ 단상

연극을 수식하는 말은 여럿 있다. ‘연극은 현실을 비추는 거울’이라느니, ‘연극은 곧 삶’이라는 표현처럼 말이다. 연극이 삶이 되고, 현실의 거울이 된다는 것은 ‘지금, 여기’에서 벌어진 사건을 의미한다. 그 사건은 과거일 수도 현재일수도 미래일 수도 있고, 현실의 공간, 상상의 공간일 수도 있다. 변혁의 큰 바람이 불고 있는 지금, 한국 연극의 사건은 어디에서부터 시작되어야 할까. 블랙리스트, 미투 파동으로 한국연극 100년사에서 가장 질곡 같은 위기에 봉착해 있다. 교육 현장이나 연극 현장이나 어느 곳 하나 성한 곳이 없으니 말이다. 그런데도 연극을 배우겠다는 입시생들은 줄지어 섰다. 대학만 합격하면 드라마나 영화 속 주인공이 된 듯한 착각에 사로잡혀 연기를 배우다가 정작 졸업하면 현장과 담을 쌓는 전공자가 부지기수다. 배우겠다는 지망생은 많은데 하겠다는 전공자는 드문 한국연극의 일그러진 자화상을 고스란히 보여준다. “현실보다 연극 속에 살 때가 더 행복했다”는 어느 노배우의 고백처럼 연극의 현실은 회초리처럼 따갑고 눈물겹기 그지없다. 그런 연극이 내년 ‘연극의 해’를 맞아 회심의 재기를 노릴 태세다. 국립극단 창단 70주년을 맞아 박양우 문화체육관광부 장관이 2020년을 연극의 해로 지정하겠다는 뜻을 내비쳤기 때문이다. 열악한 한국연극을 부흥시키겠다는 의도처럼 보이지만 케케묵은 구조적 결함을 방치한 상태로는 일시적 이벤트에 그칠 우려도 크다. 돌이켜 보면 이어령 문화부장관 시절인 1991년 ‘연극·영화의 해’가 지정된 적이 있지만 ‘연극의 해’로 단독 지정된 것은 이번이 처음이다. 박 장관은 “상처받고 갈라진 한국 연극이 서로 단합하고 다양한 연극행사를 열 수 있도록 하겠다” “대학로를 연극의 심장부로 활성화하기 위해 관련 부서와 협의를 계속하겠다” “소극장이 관객으로 꽉 찰 수 있도록 문체부가 불쏘시개 역할을 해내겠다”는 말을 쏟아냈다. 아무리 눈 씻고 찾아봐도 지방 연극을 육성시키겠다는 말은 그 어디에도 없다. 간담회 참석자 면면을 봐도 다 서울 안에 갇혀있다. 연극은 서울만의 마당이 아니다. 아무리 서울 대학로가 연극의 메카라고 하지만 대학로가 한국연극을 대변하기에는 옹색해진 지 오래다. ‘연극의 해’ 지정이 연극 그 자체를 육성시키려는 의도라면 지역적, 세대적, 성별적 차별이 있어서는 안 되며, 대중성과 예술성 어느 한쪽으로 치우쳐서도 안 된다. 위기에 빠진 한국연극을 구할 방안으로 ‘연극의 해’를 지정한 것이라면 지금의 틀로는 어림없다. 처음부터 다시 시작한다는 마음으로 새 판을 다시 짜야 한다. 그렇지 않다면 내년 ‘연극의 해’ 지정은 그저 말놀음 즐기는 정치인들의 탁상공론, 안줏감에 불과하다. 노하룡 (극단 삼산이수 대표)

2019.05.22